Esta semana
Jueves 24 de septiembre - 20:30 hrs.
Sueño en otro Idioma
Dir. Ernesto Contreras

Martin, un joven lingüista, llega a un pueblo en la selva para estudiar el zikril, un idioma que está a punto de extinguirse, ya que sólo quedan dos hablantes nativos con vida: Evaristo e Isauro. Para su desgracia, estos dos hombres se odian y llevan cincuenta años sin dirigirse la palabra. Entonces, Martin buscará su reconciliación y, con ello, intentar rescatar su lengua y evitar que desaparezca.

México | 2017 | 103 min.

Créditos:

  • Dirección: Ernesto Contreras
  • Guión: Carlos Contreras
  • Música: Andrés Sánchez
  • Fotografía: Tonatiuh Martínez
  • Reparto: Fernando Álvarez Rebeil, Manuel Poncelis, Eligio Meléndez, Fátima Molina, Juan Pablo de Santiago, Hoze Meléndez, Norma Angélica, Mónica Miguel, Nicolasa Ortíz Monasterio, Héctor Jiménez, José Concepción Macías, Gabriela Cartol, Juan Antonio Llanes, Mardonio Carballo.
  • Productora: Coproducción México-Países Bajos (Holanda); Alebrije Cine y Video, Revolver Amsterdam, Agencia SHA.

Premios:

  • 2017: Festival de Sundance: Premio del Público - Drama (World Cinema)
  • 2017: Premios Ariel: Mejor película, guión, fotografía, sonido, música y actor. 16 nom.

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Viernes 24 de septiembre - 20:30 hrs.
Los dos ciegos, gala de ópera con cine mudo
Offenbach Operetta Studio

Una compañía que, bajo la dirección de Oswaldo Martín del Campo, busca proponer un espectáculo que concilie la oferta operística con nuevos formatos para la escena musical. Se trata de una búsqueda que incluye nuevas estructuras interdisciplinarias que pretenden ir acordes con el mundo moderno, sin que por ello se disminuya la calidad y el contenido artístico de la ópera. La compañía tiene una identidad claramente definida: la operetta de Offenbach, por su obra caótica, surrealista y absurda, tal como el mundo en que vivimos actualmente, y Ópera- Cinema, que está inspirada en las características de la primera cinematografía: monocromatismo, habla ausente, musicalización en vivo, velocidades alteradas y gesticulaciones expresivas que logran crear un contraste con la música.

Un espectáculo que recrea la esencia divertida de los legendarios trabajos de Charles Chaplin, Harold Lloyd y Buster Keaton en las actuaciones, caracterizaciones y mímica de los intérpretes, con sus mensajes corporales vívidos. Con la Voz en la Nariz, Ópera-Clown, surge en 2008, con el objetivo de hacer el género operístico atractivo para nuevos públicos y experimentar sobre las posibilidades poéticas de lo que, en estética, se denomina como “lo cómico”.

Ópera- Cinema. Creada en 2014, se trata de óperas filmadas con la estética del cine mudo, cuyas partes cantadas se ejecutan en vivo. Se han producido bajo este formato “Arreglo de Bodas”, “El Retablo de Maese Pedro”, “Los Dos Ciegos” y “El Ocaso”, con funciones dentro del Festival La ópera es puro cuento del Centro Nacional de las Artes, el Festival Alfonso Ortiz Tirado de Sonora, Cineteca Nacional, Cineteca Mexiquense, Centro Cultural Mexiquense Bicentenario. Ópera-Cinema fue nombrada la mejor propuesta operística de 2014 por el diario “El Reforma” y en el año 2019 resultó beneficiaria del Programa México en Escena del FONCA. Una gala donde se interpretan óperas que comparten argumentos con películas originales del cine mudo, destaca que estos fragmentos de películas están siendo musicalizados en vivo.

Los Dos Ciegos es una opereta con música de Jacques Offenbach que relata la historia de dos mendigos “ciegos” que compiten por la mejor posición en un puente, primero en una batalla musical con Patachon tocando un trombón y Giraffier una mandolina, luego en un juego de cartas, en el que engañan y traicionan su pretensión de ceguera. Para impresionarse mutuamente, fabrican historias salvajes, acompañadas por el canto donde el concurso se vuelve cómicamente grotesco. Con la actuación estelar de los dos mejores clowns de México: Aziz Gual y Perico, el Payaso Loco.

Créditos:

  • Director: Oswaldo Martín del Campo
  • Voces: Ricardo Castrejón, Ricardo López y Dario Espinoza
  • Piano: Israel Barrios
  • Cinematografía: Yannic Solís
  • Producción: Martha Llamas

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Sábado 26 de septiembre – 19:00 hrs.
El misterio del circo donde nadie oyó nada
Seña y Verbo - Teatro de Sordos

Compañía profesional de teatro fundada en 1993, integrada por actores sordos y actores oyentes, que presenta obras en las cuales la Lengua de Señas Mexicana (LSM) se combina en escena con el español hablado, creando espectáculos que gozan sordos y oyentes por igual. Durante 27 años de trayectoria, Seña y Verbo ha producido veintiséis obras originales, dieciséis giras internacionales y frecuentes giras por toda la República Mexicana. Se trata de una Asociación artística y educativa única en Iberoamérica, dedicada a explorar nuevos lenguajes teatrales al incluir la lengua y cultura de los sordos de México con obras originales de alta calidad, así como una variedad de cursos, videos, asesorías y talleres de divulgación que han llevado a la institución a ser un referente en el tema del arte y la discapacidad.

Profesionales de diversas disciplinas han colaborado con la compañía, entre ellos Perla Szuchmacher, Eugenio Toussaint, Enrique Singer, Boris Schoemann, Hernán del Riego, Jacobo Lieberman, Adrian Blue, Michael Lamitola, Clarissa Malheiros, Joana Brito, Sergio Villegas, Flavio González Mello, Víctor Weinstock, Carlos Corona, Haydeé Boetto, Edyta Rzewuska, Tania Solomonoff y Alberto Lomnitz.

Alberto Lomnitz, director. Egresado de la UNAM, el T. Schreiber Studio de Nueva York y la Universidad de Illinois en Chicago, donde obtuvo la maestría en comunicación y teatro. Ha tomado diversos papeles al componer obras; como dramaturgo, director escénico, actor, escenógrafo, diseñador de vestuario y máscara, pedagogo, promotor y juez en improvisación. Fue director de la Compañía Nacional de Teatro (1998-2000) y actualmente es director artístico en la Compañía de Teatro de la Universidad Veracruzana. Es fundador de Seña y Verbo, y fue director de Argos Teatro del año 2001 al 2002, así como miembro fundador de la Liga Mexicana de Improvisación. Como dramaturgo, recibió, junto con su hermano Claudio, el Premio Nacional de Dramaturgia UAM-UdeG 2009.

El misterio del circo donde nadie oyó nada. La detective Maraña recibe en su oficina la visita de una misteriosa mujer, con la que comienza el caso más difícil y divertido de su vida, pues su cliente es sorda, así que lo primero que debe resolver, es la forma de comunicarse con ella. Poco a poco el caso va quedando claro: La detective Maraña fue contratada para encontrar a un hombre que desapareció de un circo donde todos los artistas son sordos; gracias a ellos, aprende a comunicarse con señas. Los leones y el domador le explican el significado de la seña intérprete (el desaparecido, precisamente). El mago le enseña el abecedario manual. Los payasos le demuestran que ser sordo y hablar en señas tiene sus ventajas. Ella aprende que, sin importar las diferencias, en algún momento todos somos iguales y siempre podemos aprender nuevas y divertidas formas de comunicarnos. Todo esto conduce a la inesperada solución del caso. ¡Que comience el circo!

Créditos:

  • Dirección: Alberto Lomnitz
  • Dramaturgia: Carlos Corona y Alberto Lomnitz
  • Actuación: Roberto de Loera, Valentina Sierra, Eduardo Domínguez, Socorro Casillas
  • Músico: Alejandro Uribe
  • Musicalización y percusiones originales: Taniel Morales
  • Director artístico: Eduardo Domínguez
  • Director ejecutivo y Representante legal: Jesús Jiménez Martínez
  • Gestión e intérprete de LSM: Antonio Zacruz
  • Productora ejecutiva y regidora: Brenda Daniela Guerrero
  • Iluminación: Samantha Salinas
  • Asistente de producción: Fiama Diaz
  • Asistente de gestión y administración: Georgina Montiel
  • Actores sordos: Eduardo Domínguez, Roberto de Loera y Socorro Casillas
  • Becaria: Sofía Mote

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Domingo 27 de septiembre – 18:00 hrs.
Amor, perfume y ausencia… boleros del alma
Barro Rojo (BRAE)

Barro Rojo nace en 1982 en la Universidad Autónoma de Guerrero, y dos años después se traslada a la Ciudad de México para lanzarse a la aventura de ser independiente. BRAE ha logrado casi todo cuanto se ha propuesto: el compromiso, la pasión y el profesionalismo son inamovibles dentro de su labor creativa. Barro Rojo Arte Escénico ha sido beneficiaria del Programa México en Escena del FONCA en su primera y cuarta emisión.

Laura Rocha. Bailarina y coreógrafa de la compañía Barro Rojo desde 1986, y Directora Artística a partir de 1994. Licenciada en Educación Artística con especialidad en Danza por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) en los períodos de 2000 a 2006 y 2012 a 2014. Becada para realizar estudios en Nueva York, por el INBA y FONAPAS (1983). Seleccionada y becada para el American Dance Festival en Carolina del Norte (1992). Fue becaria del FONCA en el rubro de Jóvenes Creadores con el proyecto Mujeres en luna creciente. En 1991 obtiene el 2° Premio en el Festival Coreográfico Iberoamericano “Oscar López”, en Barcelona, España, con un fragmento de la obra Tierno abril nocturno. Durante 3 años consecutivos obtiene el Premio a la mejor coreografía elegida por el público del Festival Internacional de Danza de San Luis Potosí (1999 a 2001). Nominada 2 veces a las Lunas del Auditorio Nacional en el rubro de Danza Contemporánea (2010 y 2011). Ha sido miembro del Consejo Académico de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del Centro Nacional de las Artes (CENART) en varias ocasiones. También obtuvo el reconocimiento otorgado por el INBA: 25 Años de Actividad en la Docencia.

Amor, perfume y ausencia... boleros del alma, es una coreografía de danza contemporánea donde los integrantes juegan a la ruleta rusa en el escenario. Todo o nada, esa es la apuesta. En la danza se encuentra el terreno fértil para la exploración motriz, BRAE nos revela la voz del cuerpo que se atormenta y regocija, del que se extasía y se retrae. Barro Rojo Arte Escénico lleva a escena obras con una narrativa correcta y cuerpos bien formados, y plantea la posibilidad de ser portador de la realidad del país que habita.

Créditos:

  • Dirección artística: Laura Rocha
  • Dramaturgia: Armando García
  • Coreografía: Laura Rocha y Francisco Illescas
  • Intérpretes: María Clara Rivarola, Angélica Treviño, Laura Vargas, Julio Hernández, Felipe Landa, Roberto Solís y César Zarco
  • Bailarines en formación: Paulina Juárez, Luisa Ocampo y Teseida Pimentel
  • Diseño de iluminación: Javier Rodríguez
  • Diseño de vestuario: Maricarmen Uribe y Jhoana Quirarte
  • Música: A. Sandoval M., J. Jiménez, Radaid y L. Downs
  • Edición musical: Juan Rocha
  • Fotografía: Emilio Sabin

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Jueves 17 de septiembre - 20:30 hrs.
La revolución de Juan Escopeta
Dir. Jorge A. Estrada

Durante la época de la Revolución Mexicana, en un pueblito minero del estado de Guanajuato, vive un niño de once años al que todos llaman Gapo. A raíz de un suceso inesperado, Gapo decide ir en busca de su hermano mayor "El Damián", un héroe revolucionario. Pero no viajará solo: con él irá Juan Escopeta, pistolero a sueldo con una misión crucial en la historia. Una película nominada a mejor guión en los Premios Ariel del 2011.

México | 2011 | 90 min.

Créditos:

  • Dirección: Jorge A. Estrada
  • Guión: Jorge A. Estrada, Alfredo Castañeda
  • Música: Jorge Calleja
  • Productora: Aeroplano Films, Animex Estudio
  • Género: Animación

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Viernes 18 de septiembre - 20:30 hrs.
El Mariachi Trompas de Falopio
Las Reinas Chulas

Compañía mexicana de cabaret integrada desde 1998 por Ana Francis Mor, Cecilia Sotres, Marisol Gasé y Nora Huerta, actrices profesionales egresadas del Centro Universitario de Teatro de la UNAM y del Foro de Teatro Contemporáneo. Ellas son creadoras, gestoras y promotoras del cabaret. Sus espectáculos utilizan la sátira, la farsa y la música para hacer crítica social desde el humor, logrando con su trabajo una manera de disidencia y reflexión sobre temas de actualidad. Además, desde el 2005 dirigen el Teatro Bar El Vicio, catedral del Cabaret en México y espacio dedicado a la difusión del arte y la cultura como entes de transformación social. El grupo recibió la medalla al mérito cultural y artístico otorgada por la Asamblea Legislativa de la Ciudad de México en el año 2014.

El Mariachi Trompas de Falopio es un homenaje a la época de oro del cine mexicano compuesto por cuatro personajes sublimes: Chillona Vargas, La Mensiacuri, Luchona Villa y Lencha Reyes, interpretados por sus majestades, Las Reinas Chulas, a través de los cuales explotan su vena más vernácula y patriototota. Ahora, forman un particular conjunto musical que se presta para toda ocasión, lo mismo canta en bautizos que en fiestas o XV años. El Mariachi Trompas de Falopio tiene una consigna brutal: bajo ninguna circunstancia interpretará una canción machista ¿Será posible? ¿Existe en la canción vernácula alguna letra que no le dé en la madre a las mujeres?

Créditos:

  • Texto, dirección, actuación y producción: Las Reinas Chulas
  • Las reinas chulas: Ana Francis Mor, Cecilia Sotres, Nora Huerta y Marisol Gasé
  • Dirección musical y arreglos: Yurief Nieves
  • Producción ejecutiva: Gabriela Andrade

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Sábado 19 de septiembre – 19:00 hrs.
El séptimo pecado
México de colores

México de Colores es una compañía de danza independiente con temática gay, integrada exclusivamente por hombres e inspirada en el extenso folclore mexicano. Creada por Carlos Antúnez en el 2011, México de Colores fusiona elementos de folclore, danza contemporánea, comedia musical y cabaret, logrando una propuesta dancística estimulante y provocadora que cuenta historias de nuestro México de Colores. Originalmente pensada para la comunidad LGBT+, pero seguido, aplaudido y reconocido por todo tipo de público, México de Colores cuestiona, a través de su espectáculo, las barreras que aún existen en la sociedad, para romperlas sobre el escenario con su extraordinario trabajo artístico.

Una propuesta que ha provocado un ciento de reconocimientos, 8 tesis profesionales, más de 50 documentales y miles de seguidores en todo el mundo que reconocen el trabajo de su creador y de los bailarines que la integran, quienes asumen con orgullo la responsabilidad social que implica portar el título de artistas en pro de la diversidad.

Carlos Antúnez, director general. Inicia su formación dancística a muy temprana edad, con los maestros Felipe y María Segura en 1973. En el año 1981 forma parte del Ballet Folclórico Nacional, de Silvia Lozano, donde monta Boda en Huasteca Hidalguense y Fiesta de Cruces en Alvarado. En 1983, se integra a la compañía Teatro Folklórico de México y en 1985 es invitado al Ballet Folclórico de la Ciudad de México, del maestro Héctor Fink, pero es hasta el año 1988 cuando se integra a las filas del Ballet Folklórico de México, de Amalia Hernández, con quien tiene oportunidad de trabajar muy de cerca, primero como bailarín, después como maestro de repertorio y, más adelante, como coordinador artístico, puesto que ocupa actualmente. En el año 2011 crea México de Colores, en 2014 Viva Veracruz, The Show y en 2017 Meshico Vivo, El Origen, donde toma la música y danza mexicana para crear un espectáculo multidisciplinario moderno y propositivo.

El séptimo pecado es un espectáculo de danza folklórica que combina comedia musical y cabaret para crear una propuesta dancística estimulante y provocadora, donde se cuentan historias de nuestro México de Colores. El programa presenta los temas: “Alma Jarocha”, “Bruja”, “La guayaba y la tostada”, “Marías Llenas de Gracia”, “Jarabe Tapatío”, “La Negra”, “Flores del Sureste”, “Migrantes Soñadoras”, “Malquerida”, “México de colores”, “Séptimo Pecado”, “Bien Comidas”, “El viajero”, “Viva México”, “¡Qué Dios las perdone!”, “Nuestra Astrid” y “Secreto en el monte”.

Créditos:

  • Director general: Carlos Antúnez
  • Director artístico: Alberto Salgado
  • Vestuario: Tony de Marco.
  • Producción ejecutiva: Omar Saa
  • Promoción: ARTE INCLUYENTE SA DE CV
  • Elenco: Enrique Camacho, Héctor Cabrera, Héctor Muruato, Iván Chávez, Iván Pulido, Iván Sol, Jacob Soto, Jorge Estrada, José Luis López, Kevin Alducin, Kevin Hernández, Lázaro Rivas, Marco Iván Romero, Sergio Nájera y Salvador Bello.

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Domingo 20 de septiembre – 18:00 hrs.
Música de cámara
Vórtice Ensamble

Ensamble de cámara compuesto por músicos residentes de la Ciudad de México, que busca atraer al escucha común y de cualquier edad a la música contemporánea por medio de una programación atractiva e innovadora con el más alto nivel interpretativo. Han sido invitados a diversos foros y festivales en México, incluyendo la inauguración de la exposición Mexicraneos en Reforma, la apertura del Centro Cultural Casa Milán, la inauguración de la exposición Tránsito de lo Sagrado en la Fundación Sebastián y la exposición multisensorial Epifanía de los Sentidos para el Gallery Weekend 2019. También se han presentado exitosamente en importantes locaciones como el Centro Nacional de las Artes, el ExTeresa Arte Actual, el Centro Teopanzolco y el Teatro Metropólitan. Recientemente grabaron parte de la música para la película Amalgama de Carlos Cuarón.

Felipe Pérez Santiago, director artístico. Considerado por la prensa como uno de los músicos mexicanos más importantes, ha recibido numerosos galardones en Europa, Estados Unidos y América Latina, así como diversas becas y reconocimientos. Ha escrito música para algunas de las principales orquestas y agrupaciones del mundo y ha hecho residencias como compositor invitado y docente en institutos, universidades y conservatorios internacionalmente. Su música ha sido comisionada e interpretada en más de 40 países y ha sido incluida en más de 15 producciones discográficas. Fue considerado por el portal MXCity como uno de los 7 artistas mexicanos más reconocidos a nivel mundial, así como uno de los tres artistas seleccionados para la campaña “Keep Walking Mexico”, y embajador cultural de la marca “Monte Xanic”, reconocimiento otorgado por más de 25 años de trayectoria.

Vórtice Ensamble es una formación de cámara sin precedentes en nuestro país, que busca atraer a la escucha común y de cualquier edad a la música contemporánea, por medio de una programación atractiva, innovadora, impactante y multidisciplinaria. El programa está compuesto por obras de compositores contemporáneos mexicanos y de otras partes del mundo, así como arreglos originales de obras emblemáticas de folklore, jazz y rock adaptadas al formato de música de cámara.

Créditos:

  • Director Artístico/Guitarra Eléctrica: Felipe Pérez Santiago
  • Flauta: Yazhmín Castañón
  • Saxofón: Sofía Zumbado
  • Percusión: Oscar Sánchez Contreras
  • Piano: Rodrigo García Grillasca
  • Violín: Leonardo Chávez
  • Viola: Gerardo Aponte
  • Cello: Iván Torres
  • Contrabajo: Alejandro Martínez

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Jueves 10 de septiembre - 20:30 hrs.
Violeta al fin
Dir. Hilda Hidalgo Xirinachs

Violeta, de 72 años, se divorció recientemente y vive sola en la casa familiar, donde cuida a diario del frondoso jardín y conversa con sus padres ya fallecidos. Preparada para disfrutar al máximo de su nueva libertad, toma clases de natación y le renta una habitación al profesor (un mexicano de mediana edad con planes de establecerse en el país dando clases de natación). Entusiasmada con el nuevo inquilino, Violeta aplica a un préstamo bancario para montar una pensión y descubre que está a punto de perder su casa. Con una mirada femenina e íntima, la película retrata a una mujer rebelde, dispuesta a romper todas las reglas para defender su hogar y su libertad.

Costa Rica - México | 2017 | 97 min.

Créditos:

  • Directora: Hilda Hidalgo
  • Guión: Hilda Hidalgo
  • Música: Camilla Uboldi
  • Fotografía: Nicolas Wong
  • Intérpretes: Eugenia Chaverri, Gustavo Sánchez Parra, Álvaro Marenco, Oscar Castillo, Anabelle Ulloa
  • Productora: Coproducción Costa Rica-México; Producciones La Tiorba / Cacerola Films
  • Género: Drama

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Viernes 11 de septiembre - 20:30 hrs.
El automóvil gris
Teatro de Ciertos Habitantes

Fundado en 1997, Teatro de Ciertos Habitantes tiene una singular trayectoria conformada por miles de horas de laboratorio y pocas producciones. En la búsqueda de la renovación, cada puesta en escena de este icónico colectivo se ha creado a partir de retos y procesos distintos. A través de dos décadas, ha sido constante la preeminencia del intérprete multidisciplinario ―exigiendo el máximo de su capacidad― como eje principal de comunicación con el espectador. Han abierto insospechadas rutas para el arte escénico mexicano y han innovado formas de producción, inspirando y motivando a muchas otras compañías. Como complemento a su trabajo escénico, han realizado filmes de ficción y documentales, programas televisivos, series radiofónicas, edición de libros, grabaciones discográficas, conferencias y talleres. Los intereses actuales de la compañía se han extendido a la transmisión del conocimiento y a la activa participación en proyectos sociales y ecológicos. Se han presentado en más de 200 ciudades alrededor del mundo, y forman parte del programa México en Escena del FONCA.

Claudio Valdés Kuri, director y dramaturgo mexicano ampliamente reconocido a nivel internacional. Ha dirigido ópera y espectáculos de gran formato. La crítica especializada lo ha hecho merecedor de múltiples reconocimientos. Importantes instituciones le han comisionado y co-producido sus obras: Festival Internacional de Edimburgo, Theater der Welt (Alemania), Wiener Festwochen (Austria), Kunsten Festival des Arts (Bélgica), Writers Theatre (EUA), Festival Internacional Cervantino (México), Coordinación Nacional de Teatro, Universidad Nacional Autónoma de México, entre otros.

Es Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA. Su formación artística profesional comenzó desde temprana edad, como actor con Susana Wein, y como músico con Erika Kubacsek. También es director egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica, perteneció al grupo austriaco Carpa Theater y fue miembro fundador y cantante del cuarteto vocal de música antigua Ars Nova. La publicación Líderes Mexicanos lo ha reconocido como uno de los 300 líderes más influyentes de nuestro país.

El Automóvil Gris sucede al lado de una pantalla de cine, tomando como punto de partida la célebre tradición japonesa de narración, denominada “benshi”, donde una actriz japonesa y otra afrocaribeña interpretan el clásico del cine mudo mexicano realizado por Enrique Rosas en 1919. Mientras corre la proyección, estas narradoras hacen comentarios y dan voz y personalidad a cada uno de los personajes a través de un juego de interacción de idiomas, en la fascinante frontera entre la interpretación y la mala interpretación del encuentro de dos culturas lejanas y muy distintas. El filme también se acompaña de un pianista que, valiéndose de partituras contemporáneas al cine mudo japonés y mexicano, así como de composiciones de su propia inspiración, imprime la atmósfera dramática a las escenas de una banda de ladrones que aterrorizó a la sociedad mexicana en 1915.

Créditos:

  • Dirección: Claudio Valdés Kuri
  • Actuación: Irene Akiko Iida (Benshi japonesa) y Fabrina Melón (Benshi afrocaribeña)
  • Pianista: Ernesto Gómez Santana
  • Producción: Rodrigo Vázquez Maya
  • Composición y arreglos: Ernesto Gómez Santana
  • Iluminación: Josafat Aguilar
  • Vestuario: María Rosa Manzini
  • Maquillaje: Carlos Guizar e Irene Akiko Iida
  • Coordinación general: Fabrina Melón
  • Relaciones Públicas: Antonio Gallardo
  • Patrocinadores: Familia Rosas Priego

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Sábado 12 de septiembre – 19:00 hrs.
Y si vivo 100 años, cien años pienso en ti
Compañía de Danza Matlacihua

La compañía surge en el año 2007 como una iniciativa de algunos estudiantes de la Escuela Nacional de Danza Folklórica del INBA, con el fin de proponer una nueva visión al folklor mexicano, marcar una línea creativa en nuestro trabajo escénico y con ello, lograr conciencia e identidad de la situación cultural y artística de México. Ha participado artísticamente en diferentes alcaldías de la Ciudad de México, con la Secretaría de Cultura de la CDMX y en instituciones como la UNAM, el Instituto Politécnico Nacional, la Coordinación Nacional de Danza, el Instituto de la Juventud de la Ciudad de México, así como con productoras de Espectáculos independientes. Además de lo anterior ha participado en Festivales como Patria Grande organizado por el INBA, en el Segundo Festival Universitario de Danza Folklórica de la UNAM, en la Feria del Libro del Zócalo Capitalino 2017, en Premios de la Juventud 2019, entre otros. Así mismo ha tenido funciones en los estados de Puebla, Veracruz, Hidalgo, Guanajuato y el Estado de México. Giras Internacionales en los países de Honduras, Guatemala, El Salvador, Colombia y Perú. En el 2019 la compañía realizó El Primer Encuentro de Danza Folklórica Internacional con los países México-Colombia junto con la Compañía Quetzal de Bogotá y Alfareros de Tocancipá.

América Covarrubias, dirección general.
Egresada de la Escuela Nacional de Danza Folklórica del INBA y de la Universidad del Claustro de Sor Juana en el profesional Asociado de Producción de espectáculos, fue bailarina en compañías como Danzariega, Grupo artístico Macuilxochitl. Estuvo en proyectos con Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, UNAM, INJUVE entre otros. Participó en la Semana cultural AVIANCA en Bogotá, Colombia, fue representante de México en el programa cultural DANZPARE en el país de Honduras, Guatemala y El Salvador. Fue directora creativa del Colectivo México Lindo, actualmente es la directora general de la Compañía de Danza Folklórica Matlacihua, profesora de danza y artes en el nivel básico educativo.

Y si vivo 100 años, cien años pienso en ti. No es extraño que las personas de esta época aún se acuerden del actor Pedro Infante, sus personajes, películas y ¡las canciones! forman parte de la vida coloquial de los mexicanos. Como pequeña muestra, el espectáculo interdisciplinario muestra la conjunción de la danza folklórica, la música tradicional mexicana y el cine del siglo de oro donde se recrean de manera distinta las películas que hicieron inmortal al gran actor mexicano Pedro Infante. La compañía, representará en escena tres de las principales películas que hicieron inmortal a este actor: Los tres huastecos, El mil amores y Dos tipos de cuidado, junto con el ritmo huasteco, el son jarocho, la alegría del mariachi y las historias de amor y orgullo. Este programa forma parte del repertorio de la Compañía de Danza Folklórica Matlacihua desde el año 2010, cabe mencionar que este año cumpliría su décimo aniversario y se trata de una pieza que teje una anécdota llena de recuerdos y nostalgia que emocionará a cualquier mexicano.

Créditos:

  • Dirección general e idea original: América Covarrubias
  • Elenco: María Fernanda Arellano Torres, Jorge Luis Arellano Tapia, Ismael Jefte Becerril Ebromares, Itzel Castañeda Ziga, América Marisel Covarrubias Fuertes, Oscar González Tapia, Nubia Maytee Gutiérrez Jaimes, Rafael Mora Sánchez y Julio Daniel Ruíz Galindo
  • Coordinador: Óscar González Tapia
  • Actriz: Ana Maricela Fuertes Lira
  • Staff: Miriam Leiza

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Domingo 13 de septiembre – 18:00 hrs.
Recital de música oaxaqueña
Faustino Díaz

Trombonista, tubista, trompetista y arreglista mexicano, proviene de una familia con una tradición de más de 100 años en la música: la “Dinastía Díaz”. Fue ahí donde su padre, el maestro Rodolfo Diaz, le mostró el bello camino de la música. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música en México, en el Rotterdam Conservatorium de Holanda y en la Alta Escuela de Música de Lausana, Suiza. Fue el primer trombonista latinoamericano en ganar un concurso internacional de trombón (Jeju, Corea 2013).

Ganador del tercer lugar del Concurso Internacional de Trombón en Budapest (Hungria en 2016) y finalista del Concurso Internacional de Trombón Citta di Porcia en Italia (2011). Ha sido trombonista de la Opernhaus de Zurich. En México ha sido trombonista principal de la Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional (OFUNAM), de la Filarmónica de la Ciudad de México y de la Orquesta Sinfónica Nacional. Ganador tres veces del primer lugar del concurso de alientos del Conservatorio Nacional de Música, Faustino Díaz frecuentemente recorre los pueblos con más tradición musical en México para seguir motivando el estudio y fomentar la música de concierto y contemporánea.

En la actualidad, Faustino Díaz funge como trombonista del aclamado Meridian Arts Ensemble de Nueva York, es trombón principal de la Orquesta Sinfónica del Estado de México y —orgullosamente— se desempeña como artista exclusivo de la firma japonesa Yamaha.

Recital de música oaxaqueña
El programa está compuesto por temas tradicionales y conocidos del estado de Oaxaca en formato de música de cámara, interpretados por Faustino y la Dinastía Díaz. Ya sea en dúo con piano; trío con piano, trompeta y trombón; o cuarteto piano, trombón, trompeta y eufonio, la sincronía de los metales con el piano da como resultado un ensamble sólido y lleno de colores. Una propuesta que hace un repaso por las ocho regiones del estado donde cada interpretación de la música oaxaqueña tradicional ofrece matices sonoros con ritmos que se presentan en el programa en forma de valses, polkas, sones Istmeños, sones serranos y chilenas.

Créditos:

  • Trombón: Faustino Díaz
  • Dirección y piano: Rodolfo Díaz Valencia
  • Trompeta: Rodolfo Díaz Méndez
  • Eufonio: Andrea Díaz Méndez
  • Tuba: Leonardo Díaz Carrasco
  • Batería: Sergio Díaz Valencia
  • Congas: José Díaz Valencia

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Jueves 3 de septiembre, 20:30 hrs.
Por mis bigotes
Manuel Caramés

Aunque suene increíble, al pequeño Ulises de tan sólo nueve años, de un día para otro le creció el bigote. Esta situación desata una serie de acontecimientos extraordinarios para él, para su mamá y para sus mejores amigos. La película propone reflexiones sobre el valor de la amistad, el sentido de la pertenencia y la aceptación a los cambios.

México | 2015 | 95 min.

Créditos:

  • Director: Manuel Caramés
  • Guión: Jorge A. Estrada
  • Dirección artística: Liz Medrano
  • Diseño de producción: Liz Medrano
  • Música: Alejandro Giacomán
  • Sonido: Jaime Baksht
  • Fotografía: Jesús Chuy Chávez
  • Montaje: Jorge El Porri García
  • Vestuario: Adolfo Cruz Mateo
  • Intérpretes: Jesús Ochoa, Luis Fernando Peña, Osvaldo de León, Santiago Torres, Eduardo España, Pedro Damián, Hugo Macías Macotela

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Viernes 4 de septiembre - 20:30 hrs.
Viñetas Brechtianas
Perro Teatro

Perro Teatro es una compañía profesional autogestiva fundada en 1985 con sede en la Ciudad de México. Desde su fundación, ha trabajado ininterrumpidamente, produciendo más de 40 espectáculos e impartiendo talleres. Aunque tiene un perfil autónomo, colabora frecuentemente con instituciones públicas como la UNAM, el INBA, el Sistema de Teatros de la CDMX y la Secretaría de Cultura.

Entre sus puestas en escena destacan Aristofánica, El diablo con tetas de Dario Fo, Los locos de Valencia de Lope de Vega, Amor es más laberinto de Sor Juana, Antonio y Cleopatra de Shakespeare, La ronda de Schnitzler, Viñetas Brechtianas, Persecución y asesinato de León Trotsky, Cómprame, Crónicas de la esclavitud sexual y Kasparia; y, para niños, Benito y Wataru, Triciclo, Los cuentos de la Alforja, La curiosidad del gato y La ciudad de las niñas invisibles, entre otras. Sus producciones se han presentado en Madrid, Almagro y Barcelona en España. En Rürh, Alemania y en El Paso, Chamizal, Texas de los Estados Unidos, entre otros.

Gilberto Guerreo, director de escena, escritor, periodista y maestro de actuación, dirección y teoría dramática. Es licenciado en Actuación por el Acuerdo 286 de la SEP. Estudió Dirección Escénica en la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del INBA y Ciencias Políticas en la FCPS de la UNAM. Es profesor en la ENAT desde 1996 y del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Su novela El diván del taimado fue finalista en el concurso internacional de novela erótica “La sonrisa vertical”, y publicada en 1998 por Tusquets. Ha dirigido más de 60 espectáculos y es autor de una veintena de textos dramáticos. Su trayectoria fue reconocida con la medalla “Mi vida en el Teatro” del ITI-UNESCO.

Viñetas Brechtianas es un espectáculo compuesto por canciones, poemas, citas y escenas teatrales de Bertolt Brecht. En un tono lúdico y cabaretesco, la estructura temática se asienta en la transcripción de algunas partes del interrogatorio que le hiciera el Comité de Investigación de Actividades Antinorteamericanas al dramaturgo en 1947. La reflexión autobiográfica, el fin del teatro, el racismo, la guerra, la intolerancia, el exilio, la libertad, el compromiso social y la solidaridad, son algunos de los temas abordados en esta obra.

Créditos:

  • Dramaturgia y dirección: Gilberto Guerrero Vázquez
  • Actuación: Ortos Soyus, Guillermo García Proal, Sofía Gabriel y Darinka Olmedo
  • Piano: Salvador González de la Vega
  • Escenografía y producción: Ana Luisa Alfaro Sánchez
  • Iluminación: Juan Rico
  • Musicalización: Alina Ramírez
  • Coreografía: Fermín Zúñiga
  • Diseño gráfico: Ulises Saldaña
  • Vestuario: Adolfo Cruz
  • Asistencia de dirección: Natalia Guerrero

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Sábado 5 de septiembre – 19:00 hrs.
Afrodelia
Punta Diamante

Punta Diamante es una banda de la Ciudad de México que define su música como Afrodelia (una amalgama de diferentes raíces musicales que incluye el afrobeat, funk, free jazz, música afroantillana y rock psicodélico), generando una paleta sonora genuina y rica en texturas, movimientos y matices. La música de esta agrupación se caracteriza por una fuerza envolvente que invita a la audiencia a escuchar y bailar, provocando una retroalimentación de sensaciones y emociones, un ritual para celebrar en comunidad.

A finales del año 2019 se publicó su primer LP Afrodelia, firmado bajo el sello Sonorama Records que tiene sede en la ciudad de Chicago, Illinois. Algunos de los foros y festivales en donde se ha presentado la banda son: Festival Vaniloquio, en la explanada del centro de Cholula; Casa de Lago, UNAM; Departamento StudioBar; Feria del Libro y la Rosa, en el Museo Universitario del Chopo; Fiesta de la Música de la Alianza Francesa, en el Monumento a la Madre; Noche de Museos, en la Academia de San Carlos; Festival de las Culturas en Resistencia Ollin Kan; Foro Cultural Hilvana; Carnaval Bahidorá; El 316; Noche de Primavera, en el Centro Histórico; Festival Hipnosis 2019 y el Festival GNP 2020, por mencionar algunos.

Afrodelia es un concierto de música psicodélica con raíces afrolatinas de diversas texturas y ritmos, pasajes que emanan un fuerte contenido ritual, festivo y enérgico que despliega diferentes dinámicas y colores sonoros. El repertorio de la banda es completamente original. La presentación de Punta Diamante se caracteriza por ser genuina y diversa en cuanto a las influencias y los estados que integra en cada canción, es música instrumental directa y abrasadora. Se trata de una sección de saxofones estridentes y solemnes, percusiones que forman tejidos rítmicos complejos y vivaces; guitarras, bajo y teclado que se funden en un flujo envolvente de matices y sonidos que viajan por el espacio en diferentes direcciones.

Créditos:

  • Fundador, intérprete y productor: Alberto Torres
  • Intérprete y productor: Santiago Juárez
  • Fundador, intérprete y compositor: Antonio Can
  • Intérprete y productor: Elías Manuel Ramírez
  • Intérprete y compositor: Vladimir Aranda
  • Intérprete y compositor: Emiliano Mendoza
  • Intérprete: Emiliano Ramírez
  • Intérprete y compositor: Vladimir Tovar
  • Intérprete: Ernesto Tovar
  • Intérprete: Rodrigo de Leo
  • Ingeniero de audio: Andrés Castro

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Domingo 6 de septiembre – 18:00 hrs.
Pedro y el Lobo
Ballet de la Ciudad de México (BCM)

El Ballet de la Ciudad de México llevó a cabo su presentación oficial en julio de 1991, bajo los auspicios de la Sociedad Mexicana de Maestros de Danza A.C. En 1996 se constituye como una compañía independiente de corte clásico que presenta obras del repertorio tradicional, así como creaciones originales. En 1994, con el apoyo del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA, se crea y produce el ballet Infantil Pedro y el lobo, basado en el cuento sinfónico de Prokofiev, con coreografía de Isabel Ávalos, escenografía de Carlos Trejo y diseño de vestuario de Sara Salomón. Desde su creación, Pedro y el lobo cuenta con más de 1,200 representaciones y se ha presentado alrededor de prácticamente toda la República Mexicana. Ha formado parte del Programa de Danza Escolar fomentado por la SEP y el INBA y, además, se ha presentado en diversas ocasiones en el Auditorio Nacional acompañado por la Orquesta Sinfónica Nacional y la Orquesta Filarmónica de la Ciudad. Fue nominado como mejor espectáculo de danza en las Lunas del Auditorio Nacional durante el año 2012, y en el 2019 se celebraron los 25 años de representaciones del Ballet Pedro y el Lobo con orquesta en vivo en el Auditorio Nacional.

Arcelia de la Peña, productora, maestra de ballet y coreógrafa. Maestra asociada de la Imperial Society of Teachers of Dancing de Inglaterra. Fue maestra de danza en el Centro de Capacitación de Actores, y coreógrafa en varios programas de Televisa. También fue maestra y coreógrafa del grupo Timbiriche y del grupo Grillos, y coreógrafa en la producción Jesucristo Superestrella. Además, dirigió la empresa Nueva Generación del grupo Televisa. En 1984 fundó la Academia de Ballet Dance Center, de la cual es propietaria y directora hasta la fecha. En 1990 fundó la Sociedad Mexicana de Maestros de Danza A.C., misma que presidió hasta 1995. En 1991 formó el Ballet de la Ciudad de México, donde actualmente funge como directora ejecutiva. Fue invitada a colaborar como co-secretaria en el Comité Nacional de Danza del Instituto Internacional de Teatro de la UNESCO, y es miembro del Consejo Consultivo de la Coordinación Nacional de Danza del INBA. Formó parte del Consejo Asesor de la Dirección de Danza de la UNAM y fue invitada a presentar las Charlas Introductorias de las Proyecciones Digitales desde la Royal Opera House en la UNAM durante la temporada 2016 y 2017. En 1994 fundó Ars Tempo Producciones, empresa destinada a la promoción de eventos culturales.

En octubre de 2009, Arcelia recibió el Premio Nacional de la Mujer, reconociendo su labor en el desarrollo de la cultura en México. En 2012 recibió el reconocimiento por su trayectoria “Una vida en la danza”, del CENIDI del INBA. Los espectáculos producidos por la maestra Arcelia de la Peña en el Auditorio Nacional, han sido acreedores a 14 nominaciones, y galardonados con 10 Lunas del Auditorio Nacional. Desde 2011, funge como Directora de Producciones de Escenarte Internacional. Recientemente organizó el Primer Encuentro Internacional de Escuelas de Danza Clásica en colaboración con la Coordinación Nacional de Danza del INBA.

Isabel Ávalos, directora artística y coreógrafa. Inició sus estudios en la Academia de Ballet de Coyoacán, dirigida por la maestra Ana Castillo; cursó todos los grados del Sistema de Royal Academy of Dancing, y es en Londres, Inglaterra donde presentó su último grado de solista en el año de 1974. En 1975 ingresó a la Compañía Nacional de Danza del INBA, con la categoría de segunda solista, y en 1978 quedó seleccionada para perfeccionarse en el Ballet Nacional de Cuba, donde permaneció dos años bajo la dirección de la maestra Alicia Alonso.

Durante su formación en la Academia de Coyoacán, impartió clases iniciándose también como coreógrafa. En su estancia en Cuba, obtuvo dos premios por sus coreografías Imágenes y Semillas, participó en cursos metodológicos e impartió clases a diferentes niveles. En la Compañía Nacional de Danza, al mismo tiempo que estuvo como ejecutante, tuvo la categoría de maestra y, durante un tiempo, formó parte de la comisión artística. En octubre de 1988 obtuvo el primer lugar en el concurso de proyectos coreográficos convocado por la Compañía Nacional de Danza, por su coreografía Instrumentos.

En el taller coreográfico colaboró como maestra ensayadora durante su permanencia como bailarina. Desde 1991 hasta la fecha, fue directora artística del Ballet de la Ciudad de México, donde impartió clases y creó coreografías de acuerdo a las necesidades del grupo. Al mismo tiempo, fue directora académica de la Academia del Ballet de la Ciudad de México y continuó dando asesorías y fungiendo como examinadora y coreógrafa en diferentes escuelas de la república. Fue directora académica y artística de la Academia de Ballet de Coyoacán durante los últimos años de la existencia de esta reconocida institución educativa. En mayo del 2010 recibió el reconocimiento “Una vida en la danza” otorgado por el INBA, CONACULTA y el CENIDI, así como el Premio Nacional de Danza Contemporánea José Limón, otorgado por su trayectoria artística.

El ballet Pedro y el Lobo, se constituye como un espectáculo infantil de la más alta calidad, a través del cual el público familiar se acerca a las artes escénicas de forma comprensible y aprehensible. El cuento inculca importantes valores, como la honestidad, la amistad y el trabajo en equipo, y está concebido como una amable introducción a la música clásica y a la danza. De la mano de un narrador y gracias a la extraordinaria partitura de Sergei Prokofiev, el pequeño espectador aprenderá a identificar ciertos instrumentos, asociándolos a los diferentes personajes y aprehendiendo el concepto del leitmotiv. Al mismo tiempo, cada personaje es representado por un estilo de danza particular, permitiendo al público descubrir las cualidades de movimiento que caracterizan al ballet, al jazz, a la danza contemporánea, a la acrobática y a la danza de carácter.

Créditos:

  • Coreografía: Isabel Ávalos
  • Música: Sergei Prokofiev
  • Libreto: Arcelia de la Peña e Isabel Ávalos
  • Diseño de escenografía: Carlos Trejo Lerdo
  • Diseño de vestuario: Sara Salomón
  • Diseño original de iluminación: Valentín Orozco
  • Realización de escenografía: Leo Otero
  • Ressiur: Karen García
  • Iluminación: Gabriel Saucedo

Elenco:

  • Narrador: Juan Antonio Correo
  • Pedro: Rodrigo Fuentes
  • Lobo: Daniel Urrutia
  • Abuelo: Ángel David García
  • Pato: Mara Robles
  • Pajarito: Cecilia Sánchez
  • Gato: Julia de la Torre
  • Cazadores: Oscar Trinidad, Christian Barrera y Julio Cesar

Producción:

  • Dirección Ejecutiva: Arcelia de la Peña
  • Coordinación de producción: Maclai Clara
  • Diseño gráfico: Sergio Barranca y Carina Vizcarra
  • Redes sociales: Aderith Martinez
  • Vestuario: Cristina Vázquez
  • Apoyo técnico: Cobain Núñez y Antonio Martagón

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Viernes 28 de agosto, 20:30 hrs.
Desvenar
Kraken Teatro

La Compañía lleva más de diez años generando obras que han tenido giras y reconocimientos tanto nacionales como internacionales. Entre sus obras se encuentran La insoportable levedad del Pop, Herodes Hoy, Psico/Embutidos, Desvenar, Punzocortante, MonsterTruck,Ternura Suite escrita por Edgar Chías, Cuerdas escrita por Bárbara Colio, Por favor, no mande riñones por correspondencia, El Evangelio según Clark Kent y Vencer al Sensei, estas últimas escritas o coescritas por Richard Viqueira.

Entre los reconocimientos que han obtenido se encuentran Mejor teatro de búsqueda, Nominación a mejor actor en monólogo, Mejor obra del año por varios medios impresos, Mención Especial al mejor diseño y tratamiento del espacio escénico y nominación como Mejor espectáculo teatral en el VII Festival Iberoamericano de Teatro, Mar del Plata, Argentina. Participación en competencia en el 19 Festival Internacional de Teatro Experimental del Cairo, Egipto, 2007. Sus obras se han presentado en Argelia, Egipto, España y cinco de ellas se han presentado en sendas Muestra Nacionales.

Richard Viqueira, autor y director. Destacado entre los mejores directores del año 2015 por su puesta en escena Psico/Embutidos por la revista Time Out, Hombre de Teatro del 2008 y Actor de la Década, ambas por la revista Chilango. Su obra Monster Truck estuvo considerada entre las óperas más sobresalientes del año por medios especializados. Nominado al Premio Carlos Ancira, Actor en Monólogo (APT) por la obra Careo (2011). Este mismo año dirige la obra Ternura Suite de Edgar Chías, considerada como una de las mejores obras del 2011 (El Economista, Revista Vértigo y periódico El Informador). Con su dirección de la obra Cuerdas, autoría de Bárbara Colio, obtiene el Premio Especial al mejor diseño y tratamiento del espacio escénico y la nominación al Mejor espectáculo teatral en VII Festival Iberoamericano de Teatro, Argentina. Vencer al Sensei, obtiene el premio Mejor Obra de Teatro de Búsqueda: Premio Héctor Azar (APT). Ha colaborado como director con el Royal Court Theatre, la Compañía Nacional de Teatro y ha recibido distinciones como director, dramaturgo y actor. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA.

Desvenar es una puesta en escena que indaga en la idiosincrasia del mexicano. La estética y la propuesta se enfocan en el aspecto sonoro y musical, evocando los acentos y formas de expresión oral que existen en distintas zonas de la República Mexicana. Los intérpretes escénicos hacen referencia a los personajes icónicos del folklorismo nacional. El conflicto dramático es determinado por un triángulo amoroso entre la Adelita, el Pachuco y el Cholo: mitos de nuestra mexicanidad. El Pachuco regresa a su país para reencontrarse con su mujer. Quiere que le cocine algo picoso, pero sólo para descubrir que el amor pica igual que el chile y que su lugar ha sido asumido por un Cholo que sólo ansía regresar a USA y olvidarse de las salsas picosas.

Créditos:

  • Autoría y dirección: Richard Viqueira
  • Actuación: Valentina Garibay, Ángel Luna y Richard Viqueira
  • Iluminación: Raymundo Carrasco

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Sábado 29 de agosto – 19:00 hrs.
Rosa surreal
Motores Danza

Nace en marzo de 2017 con su primera obra completa Anything Times Zero en el ciclo de jueves de danza de Un Teatro, Ciudad de México. Se han presentado en el histórico teatro de El Oro (Edo. Mex), Zacatecas, Querétaro y San Luis Potosí. El Festival Nacional de Danza que organiza la Universidad Autónoma de Hidalgo y el Festival Internacional de Danza Contemporánea de la Ciudad de México (FIDCDMX), ediciones 2018 y 2019, el Teatro Flores Canelo (Festival Nueva Danza, Nueva Música), Foro La Nave y el Claustro de Sor Juana durante su temporada Ciclo de Danza 2018.

Gaby Hernández, directora, a través de su proyecto MOTORES Danza fue seleccionada semifinalista del premio Nacional de Danza INBA-UAM Guillermo Arriaga 2018 y 2019, con una propuesta de solo mujeres llamada“Outside Wonderland” en 2018 y la obra MUCHO Pink para el 2019. Juntas estas obras son las que constituyen este nuevo proyecto.

Rosa Surreal, es un programa colorido, ecléctico, vibrante y fuerte conformado por dos obras. Mucho Pink hace al color rosa mexicano su protagonista. Se inspira de la visión de Ramón Valdiosera, quien abordó ese puente entre lo contemporáneo y la mexicanidad; somos mexicanos y por lo tanto vamos a vibrar de cierta manera y ante ciertos estímulos muy nuestros como: la música, la comida, la danza, las fiestas etc. y al mismo tiempo somos una sociedad más globalizada y eso nos moldea también a diario. Conocido también como: “shocking pink” y “hot pink”, lo cual habla de lo vibrante que es este tono queriendo representarnos así: una sociedad vibrante, escandalosa, ruidosa, “pachanguera” y alegre Outside Wonderland, es una obra potente y llena de fuerza femenina. Inspirada en la mística de las mujeres surreales, sus poderes, su valentía y su agilidad para transportarnos a mundos de sueños. Inspirada principalmente en Leonora Carrington y Remedios Varo, mujeres que se encargaron de presentarnos a criaturas místicas, obscuras y femeninas.

Créditos:

  • Dirección: Gabriela Hernández Cárdenas
  • Coreografía: Gabriela Hernández Cárdenas
  • Elenco: Zuleyma Ortíz, Elisa Romero, Alejandra Domínguez, Valeria Pérez, Gabriela Hernández,
  • William Montes de Oca, Tamara Barquet, Millie Chattaj, Daniel Hernández y Alexis Alatriste
  • Iluminación y vestuario: Lila Méndez Pap
  • Música Original: Daniel Herrera y Aristóteles Benítez
  • Imagen y difusión: Luis Antonio Hernández

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Domingo 30 de agosto – 18:00 hrs.
Concierto Didáctico
Los Flolkloristas

Agrupación de músicos mexicanos, pioneros en el país en la difusión de la música tradicional latinoamericana. El grupo nació en la Ciudad de México en 1966, con el objetivo de difundir la música folklórica y la nueva canción de México y América Latina. Desde su fundación Los Folkloristas se han dedicado a la investigación de las expresiones culturales y al rescate de las raíces folklóricas de México y el Latinoamérica, incorporando todo este conocimiento a su repertorio, éste ha sido el eje central del proyecto del grupo.

Con una larga trayectoria de más de 54 años, han participado en el grupo 49 músicos. Desde 1972, el grupo está conformado por 7 integrantes multi-instrumentistas (5 hombres y 2 mujeres). En sus presentaciones tocan más de 70 instrumentos de las distintas regiones de México y América Latina, incluyendo instrumentos de la época prehispánica.

José Ávila Astiazarán. Director artístico, director general de Difusora del Folklore (1973 a la fecha) y de Fonarte Latino (1983 a la fecha). Co-fundador y director artístico del grupo Los Folkloristas (1966 a la fecha). Fue Co-Fundador de “La Peña de Los Folkloristas” en 1970 y maestro de música y talleres de los más variados instrumentos y géneros folclóricos, siendo intérprete de más de 30 instrumentos de cuerda, aliento y percusión. Ha trabajado como productor, arreglista y director artístico de todas las grabaciones del grupo Los Folkloristas, de la discografía de Amparo Ochoa, Gabino Palomares e Ilonka. Es productor de los discos de Fernando Delgadillo “Con Cierto Aire a ti” y “Entre Pairos y Derivas”, Mexicanto “En Venta” y “Castillo Blanco”, Cordavento “Dos”, Raúl García “Guitarra Peruana”, como director artístico colaboró en la discografía de Salvador “El Negro” Ojeda, el disco “En Tu Estuche de Recuerdos” canciones románticas de Chava Flores interpretado por Tehua, “Hay Luz Debajo” de Alejandro Filio, “Ida y Vuelta” del Ensamble Tierra Mestiza, “Terceto de Guitarras de la Ciudad de México” y la producción “Canciones de la Revolución de Independencia Voz Viva de México, UNAM”.

Concierto Didáctico, es un recorrido por el paisaje sonoro de México y Latinoamérica, se pretende despertar en los jóvenes y en el público en general un panorama de los distintos referentes que conforman la identidad nacional. Los Folkloristas dan vida a la música tradicional mexicana y buscan despertar el interés de los jóvenes por conocer, apreciar, y promover este tipo de música. Así, teniendo en cuenta la gran diversidad del patrimonio intangible sonoro de nuestro país —tanto indígena como mestizo—, y conscientes de la realidad y las actuales manifestaciones y formas de hacer música, por ejemplo, las nuevas tecnologías, que más que negarlas, enriquecen el intercambio de sonidos y fusiones, ideas, costumbres, formas de pensar y de vivir que pueden retroalimentar la cultura, es importante mantener un vínculo cercano ya con los cimientos de la tradición, así como con los actuales semblantes de la música, pues precisamente esto es lo que recrea la propia cultura y da sentido a la identidad.

Créditos:

  • Director musical: José Ávila Astiazarán
  • Los Folkloristas: Olga Elva Alanís Zazueta, José Ávila Astiazarán, Valeria Rojas Estrada, Sergio Ordoñez Flores, Enrique Hernández Huerta, Diego Ávila Ríos y Omar Valdez Cervantes.
  • Audio: José Machuca Mandujano
  • Staff: Allan Ulises Zepeda Ibarra, Rigoberto Valdez Cervantes
  • Coordinador general: Ernesto Vargas Mancilla

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Viernes 21 de agosto, 20:30 hrs. - Concierto inaugural
Héctor Infanzón Cuarteto

Reconocido como un referente del jazz mexicano a nivel internacional, durante más de 35 años de trayectoria, Héctor Infanzón ha sido acompañado en su cuarteto por reconocidos músicos, amigos y colegas, así como talentos de las nuevas generaciones de músicos en el país, con lo que su lenguaje musical se renueva en cada presentación.

Su repertorio está compuesto por temas que han sido grabados en su material discográfico: “De manera personal”, “Nos toca”, “Impulsos”, “Citadino” y “Días sin tiempo”, su más reciente producción.

Héctor Infanzón es un director, compositor, arreglista y excepcional pianista. Su sólida formación clásica y su vasta experiencia en diversos géneros musicales le permiten fusionar en su música la tradición con los lenguajes contemporáneos; la libertad de la improvisación es la característica que imprime en su obra y sus ejecuciones.

Ha sido invitado a colaborar con las orquestas y directores más destacados del país y del extranjero. Su música abarca diversos géneros musicales, siendo especialmente destacadas, sus composiciones en el género del jazz y la música de concierto.

Programa: Días sin tiempo

El repertorio del concierto incluye los temas de su nueva producción discográfica, Días sin tiempo, con la que celebra 60 años de vida, en donde el Bolero, el Huapango y ritmos afro caribeños se fusionan para crear sonoridades que representan con orgullo la herencia de razas y culturas que dan origen a nuestra mexicanidad. Presenta también algunos de los temas que durante más de tres décadas han sido de la preferencia del público luego de ser grabados en su material discográfico: “De manera personal”, “Nos toca”, “Impulsos” y “Citadino”.

Créditos:

  • Héctor Infanzón. Director musical y pianista
  • Marcos Milagres. Bajo
  • Enrique Nativitas. Batería
  • Luis Gómez. Percusión
  • Juan Carlos Ertze. Ingeniero de audio
  • Arturo Aguilar. Asistente de audio y producción

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Sábado 22 de agosto – 19:00 hrs.
Biografía pintada de un circo
Tránsito cinco

Compañía interdisciplinaria de teatro, danza, circo contemporáneo y música con más de 15 años de trayectoria.

Se han presentado en recintos como el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, Teatro Julio Castillo, Teatro de las Artes, Teatro Raúl Flores Canelo, Teatro Carlos Lazo UNAM, Teatro Isabela Corona, Teatro de la Ciudadela, Teatro Sergio Magaña, Foro Contigo América, Teatro Bicentenario, FORUM Cultural León Guanajuato, FARO ́S Tláhuac y Oriente y Centro de las Artes Santa Úrsula Coyoacán, por mencionas algunos.

Han colaborado con directores de talla internacional como Rob Tannion (Australia - España), Fierenza Guidi (Italia) y Abraham Oceransky, entre otros. En el 2017 realizaron una residencia y gira artística en Cáceres España en el espacio de creación La nave duende, con el espectáculo “Hecha la ley, hecha la trampa”; en 2019 obtienen nuevamente dicha residencia para el montaje Paracaídas: una mirada al vacío.

Jorge Díaz, director artístico y cofundador de Tránsito Cinco Artes Escénicas S.C. cursó la Licenciatura Dramática y Teatro y Pedagogía (UNAM). Ha sido beneficiario del programa de Creadores Escénicos durante el 2014 y 2018 y del programa México en escena, ambos del FONCA. Es maestro del Programa Internacional de Formación en Artes del Circo y de la Calle PIFACC del Centro Nacional de las Artes, del Centro de las Artes Santa Úrsula CASU y de Cruces Intervención de las Artes A.C.

Biografía pintada de un circo

La historia de los integrantes de un circo que viajan por el mundo presentándo los actos más extraordinarios. La narración cobra vida en la voz del director de circo que es, además, domador y músico. En esta biografía descubrimos los motivos por los cuales cada personaje llega a formar parte de la compañía “Los hermanos niño bueno” y de cómo encontraron en este vuelo vertiginoso “aire para el alma”.

Créditos:

  • Dirección: Jorge Díaz Mendoza
  • Producción: Tránsito Cinco Artes Escénicas S.C.
  • Audio: Silvia Lozano
  • Iluminación: Edgar Mora
  • Difusión y medios: Verónica Tello
  • Rigging: Jorge Díaz
  • Intérpretes: Fernanda Palacios, Beatriz Ortiz, Alberto Villanueva, Emiliano Gallardo, Nayelli, Gerardo González, Gustavo, Iván Pulido, Ricardo Díaz y Jessica González

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Domingo 23 de agosto – 18:00 hrs.
Profechonale
Comparsa La Bulla

Compañía de interdisciplina escénica, especializada en la representación en espacios abiertos y alternativos. Su propuesta artística y estética entrelaza diversas técnicas teatrales con elementos de circo, clown y música en vivo, compuesta por sus mismos integrantes.

Con más de 19 años de exitosa trayectoria y siete montajes de creación original, han sido beneficiarios del programa FONCA a través del Programa Coinversiones 2013 -2014, además de formar parte de los programas Alas y Raíces a los niños (CONACULTA) del 2005 al 2009; Teatro Escolar (SEP - INBA) ciclos 2007, 2008 y 2009 y Artes Por Todas Partes (Secretaría de Cultura del D.F.) 2005 y 2006.

Los montajes producidos por la compañía son reflejo fiel de la vida latente en las calles y de la cultura popular por lo que el público se identifica con su premisa: ¡Qué viva la locura, la libertad de reír, de pensar y de soñar!

Sergio Hiram Soto Moreno, director, malabarista, dramaturgo y actor multidisciplinario con más de 19 años de experiencia. Participó del taller de iniciación teatral en la Biblioteca México, bajo la dirección de Sandra Félix, el curso de biomecánica escénica y zancos con el maestro Danil Artamonokv, Acrobacia y expresión corporal con el maestro Raúl Kaluris y Clown con el maestro Gerardo Ávila (Artista del circo Solei), por mencionar algunos.

Profechonale es la historia de un payaso loco, que tiene una relación algo compleja con su sombra y los personajes que a través de sus aventuras va encontrando. Por medio de elementos circenses, música en vivo, clown y bufonería, este espectáculo teatral hace una humilde exploración del tema de la locura, de las realidades paralelas y de cuan delgada puede llegar a ser la línea que las separa de nuestra cotidianidad.

No es, en un estricto sentido, teatro al estilo convencional; es en realidad una propuesta estética fundamentada en la necesidad de llevar la actividad escénica fuera de sus límites acostumbrados, acercandola al sitio donde se haya el público y no al revés. Espectáculo creado para toda la familia, con símbolos claros y referentes específicos.

Créditos:

  • Dirección Colectiva: Comparsa La Bulla
  • Música: David Jonathan Soto Moreno
  • Vestuario: Comparsa La Bulla
  • Actores: José Rafael Galvan Hernandez, Héctor Vicente Wong Alor, Ricardo Díaz Mendoza, Sergio Hiram Soto Moreno e Ixchel Salazar González
  • Músicos: Alexis Chacón, Eduardo Martínez Goméz, Edy Roman López González, David Soto Moreno y Yoni Pilotzi Romero

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